Jane Eyre es una ventana a través de la que Charlotte Brontë nos presenta su visión del mundo. Ella nunca olvida que, por el hecho de ser pobre o de ser mujer, no es un ser inferior.
Pero, por encima de todo, Jane Eyre es una obra romántica en la que la lucha por la libertad es el impulso que guía a la protagonista.
También es, claro, una gran historia de amor, que sólo se podrá vivir cuando los dos protagonistas estén de igual a igual, cuando el amor no sea una cárcel.
Café La Tranquilidad, Avenida del Paralelo, Barcelona, años 20 del siglo pasado.
Un mendigo se acerca a una mesa y pide una moneda a un hombre.
Este saca una pistola de su chaqueta, se la pone en la mano al mendigo y le dice: “Ve a un banco y coge lo que necesites. Es tuyo”.
Comienza la música. Así arranca este relato.
Para algunas mujeres Ciudad Juárez llegó a convertirse en uno de los lugares más peligrosos del mundo en la década de los noventa.
Una urbe en la que había libertad para violar, torturar y matar. Una urbe en la que los policías encubrían a los asesinos y maquinaban falsos culpables mientras el Gobierno parecía cerrar los ojos.
Según Amnistía Internacional, Ciudad Juárez poseía una de las tasas de impunidad más elevadas del planeta con respecto al asesinato de mujeres.
Esta impunidad era especialmente obscena para aquellos que flirteaban con las altas esferas del poder o poseían un nivel adquisitivo que les permitía comprar cualquier tipo de experiencia de cariz sexual.
Una obra de teatro documental en la que los actores han trabajado directamente con los audios de las personas entrevistadas para construir los personajes.
El reggaeton se mezcla con Verdi, las chicas con velo son galácticas, las flautas no suenan, a Mustafá le gustan las cristianas, los siete magníficos nunca son siete y todos los adultos guardan un secreto. El conflicto de esta obra es un conflicto presente que se nombra en futuro.
El espectáculo constará de 10 escenas o capítulos que tratarán de recoger, de forma cronológica, los episodios vitales más destacados en la vida del poeta, estableciendo conexiones entre los fragmentos biográficos y las obras que durante los mismos se generaron.
LA PUTA DE LAS MIL NOCHES desarrolla el encuentro de una noche entre una prostituta y un cliente. Él es un hombre adinerado y acostumbrado al lujo, perteneciente a la clase superior, ella es una mujer entrada en años que se mueve en el mundo de la sofisticación. Jamás se habían visto: el contactó con ella a través de un anuncio que localizó al azar. Todo sucede en un lugar recóndito y aislado: la casa en la que el hombre se refugia cuando desea no ser localizado. El encuentro se llena de tensión desde el inicio. El cliente no busca un servicio corriente, quiere ser original.
Mark Rothko, uno de los grandes pintores representantes del llamado Expresionismo
Abstracto, se enfrenta al que quizá es su mayor reto profesional y su peor dilema ético:
pintar una serie de murales, extraordinariamente bien pagados, que deberán decorar
el elitista restaurante Four Seasons, en Nueva York.
Galardonada con seis premios Tony, ROJO constituye el mayor éxito teatral del
dramaturgo y guionista John Logan.
Dos mujeres, dos tiempos, dos historias unidas por la sangre. Una actriz judía que hace teatro con los niños en el campo de concentración de Terezin y una entomóloga que estudia las luciérnagas, que descubre de forma tardía que es una superviviente del Holocausto.
Dos luciérnagas que brillan en la oscuridad. Dos mujeres que brillan a pesar de todo.
Queríamos compartir un proceso y sacudirnos la impotencia que sentíamos al ver lo que sucedía en el mundo. En el origen, la idea del teatro como luz, como foco de esperanza, en la inmensidad de lo oscuro y de los pesimismos presentes.
Virginia Woolf hace un recorrido de 24 horas en la vida de Clarissa Dalloway, desde que se levanta por la mañana y comienza a preparar una fiesta para su marido, hasta el momento de esa fiesta, por la noche.
Un recorrido marcado por las horas que toca la campana del reloj del Big Ben, por el tiempo que va pasando y que lleva a Clarissa a ir atrás y adelante en el tiempo de su vida.
En LA SECCIÓN se ha querido presentar aspectos que tuvieron una importancia capital en el devenir de las vidas de tantas mujeres cuyas vidas fueron marcadas por imposiciones educativas-políticas-religiosas y de género, que tuvieron un calado hondo en la sociedad española del momento.
Así pues, LA SECCIÓN se centra en las figuras de Pilar Primo de Rivera, Mercedes Sanz-Bachiller y Carmen Polo a través en la evolución de la Sección Femenina.
Desde el discurso inaugural de la Falange Española, recorremos la historia de nuestras madres y abuelas para entender muchos aspectos que aún subyacen en la memoria.
En su maravillosa manera de contar historias insignificantes, Rocío Bello capta al ser humano en otras dimensiones. Detrás del humor y de la intrascendencia, brillan los temas existenciales y un regusto reconocible y cercano que deja huella en nuestra memoria poética.
En MI PELÍCULA ITALIANA, hasta los pollos saben que después de los incendios el sol continúa saliendo y poniéndose como si allí no hubiese pasado nada.
Salva Bolta
El 4 de octubre de 1968 se estrenó en Bruselas el musical L’HOMME DE LA MANCHA, traducido, adaptado e interpretado por Jacques Brel.
Fue la única vez en toda su impresionante carrera que Brel interpretó y adaptó el trabajo de otros artistas. Lo hizo porque amaba a Don Quijote, nuestro héroe de Cervantes, un personaje con el que se identificaba completamente.
Medio siglo más tarde, el Teatro KVS, La Monnaie y el Théâtre de Liège se unen para trasladar a hoy la obra maestra de Cervantes y de Brel.
Una oda a Brel y a Bruselas, a las ciudades, a la imaginación, a la poesía y a los sueños imposibles que nuestra era tanto anhela.
* Musical en francés, contará con sobretítulos.
Apertura de telón. El costroso cortinaje granate desprende pestes a sudor y desinfectantes. Las notas musicales se esparcen por la penumbra mal ventilada antes de diluirse en el fondo de los vasos. Bajo los focos que desparraman azul noche, el diezmado coro de vicetiples ensaya una rudimentaria coreografía. Pereza de albornoces, chándales y mallas remendadas, aderezado con boas desplumadas, brillantes baratijas y acoples de micrófono. La tragedia contoneándose desde sus altos tacones.
ESTADO VEGETAL es un monólogo polifónico, ramificado, exuberante,
reiterativo, divisible y sésil. Su protagonista es una mujer, que no es
un individuo; es una multitud, un enjambre. Esta no es una obra animal,
es una obra vegetal.
ESTADO VEGETAL ronda incansablemente alrededor de un diálogo
imposible, el de los seres humanos y las plantas. Un diálogo fallido con
la naturaleza que es, quizás, nuestro monólogo más innato.
Quienes somos y como vivimos tras 40 años de dictadura en España. ¿Cuál es el sentimiento de los jóvenes ante los rastros del franquismo? ¿Qué significa para ellos la figura de Franco? ¿La conocen en profundidad? ¿Cómo influyen en sus vidas la transición española y los silencios? Una nueva generación ante el reto de analizar la memoria histórica de este país. Una nueva generación que habla de nuestra historia, de sus edificios, de las estructuras que les son impuestas y de cómo los hacen sentir. Estructuras políticas, arquitectónicas, históricas, lingüísticas, mentales, emocionales e incluso filosóficas.
A través de los testimonios literarios de los afectados se recorre el proceso de la esquizofrenia, desde el brote, pasando por el estigma, hasta llegar a la recuperación - o la salida, que pudiera ser el suicidio.
Estas historias reales sobre la esquizofrenia desmontan algunos de los tópicos más frecuentes y dañinos sobre los esquizofrénicos y los que con ellos conviven.
En LA WAGNER, cuatro mujeres, como cuatro valquirias, se montan sobre la música de Richard Wagner y arremeten con la difícil tarea de desactivar estereotipos y denunciar prejuicios relacionados con la feminidad, la violencia, la sexualidad, el erotismo y la pornografía. Todos estos estereotipos y prejuicios se encarnan en el cuerpo de la mujer y lo intoxican. Pero este cuerpo posee la inteligencia y la potencialidad de poner tal estado de cosas patas para arriba y de re-crearse en una instancia post-género.
¿Y para qué vincular la empresa de estas mujeres con la música y figura de Wagner? Porque no ha habido en la tradición occidental otro compositor más polémico, deslumbrante ni demoníaco. De este cruce resulta una ceremonia tenebrosa, iluminada por destellos de ironía y excesos “operísticos”: se asiste al choque entre la banalidad y lo sublime, lo irreverente y lo consagrado.